Vomiting Flowers est une installation multimédia qui incorpore des pièces bi et tridimensionnelles fabriquées à la main et donnant vie à un environnement à la fois ludique, spéculatif, fantaisiste et familier. Hea R. Kim cherche à théâtraliser et à repenser la notion de valeur artistique par l’exploration de l’artisanat d’hier, de la production de masse d’aujourd’hui et de l’utilisation potentielle des technologies de demain. 

L’exposition sera accessible jusqu’au 4 septembre au Centre des arts et de la culture de Chicoutimi.

Le Festival Accès Asie vous propose la projection du film Beyond the Infinite Two Minutes. Comédie fantaisiste japonaise, ce film raconte l’histoire de Kato, propriétaire d’un petit café de Kyoto, qui découvre un soir que le système qui lie la caméra de surveillance de son établissement à son appartement du dessus lui permet de voir deux minutes dans l’avenir. Stupéfait par cette révélation, le tenancier, qui est également musicien amateur, alerte une de ses employées, puis ses amis. Ces derniers incitent rapidement Kato à tirer profit de ce phénomène. Ce qui s’avère toutefois beaucoup plus compliqué – et dangereux – que prévu.

Genre : Comédie fantaisiste
Année : 2020
Durée : 70 min.
Réalisation : Junta Yamaguchi
Scénario : Makoto Ueda
Photographie : Junta Yamaguchi
Musique : Koji Takimoto
Montage : Junta Yamaguchi
Pays : Japon
Interprètes : Kazunari Tosa, Aki Asakura, Gôta Ishida, Riko Fujitani

Double Tigers est un spectacle de danse contemporaine, une rencontre entre la danseuse Claudia Chan Tak, basée à Montréal, et du danseur Naishi Wang, basé à Toronto. Tous deux nés en 1986, l’année du tigre selon le zodiaque chinois, ils partagent le même bagage culturel mais pourtant, tout les sépare et les distingue. Née à Québec, elle cherche à retrouver ses racines au sud de la Chine alors que lui est originaire du nord de la Chine, pays qu’il a quitté.

Elle balbutie un Cantonais maladroit alors qu’il parle Mandarin parfaitement. Il a étudié le Wushu, un art martial du Nord avant de commencer le ballet alors qu’elle ne pratique que depuis quelques années le Hung-Gar, un style du Sud. Ayant chacun leur propre histoire et perspective, ils partagent pourtant une même trajectoire : leur but est de confronter à travers la danse l’empreinte du corps chinois à travers leurs mouvements. Que reste-t-il de leurs ancêtres, de leur pays d’origine et des lieux où ils ont grandi ? Comment cela teinte-t-il leur corps, leur être, leur présence ? Une fois placés sur scène ensemble pour la première fois, est-ce que leurs histoires identitaires se rencontreront, se croiseront ou évolueront en parallèle ?

La performance sera suivie d’une discussion avec le public.

Le Festival propose un atelier d’introduction au théâtre d’ombres destiné aux enfants de 7 à 10 ans. Ils en apprendront davantage sur l’histoire et le fonctionnement des ombres chinoises. Ils seront aussi appelés à confectionner leur marionnette et à la mettre en scène selon les règles de l’art.  

L’atelier permet aux participant.es de développer leur créativité, leur habileté manuelle ainsi que leur connaissance générale et artistique.

Cet atelier est présenté par le Théâtre Everest, compagnie théâtrale fondée en 2016 par Chloé et Jade Barshee qui en partagent la direction artistique. Issues d’une mère québécoise et d’un père tibétain, les sœurs Barshee ont toujours senti une lutte au cœur même de leur identité. Leur pratique théâtrale s’inscrit dans le contexte social tel qu’il est aujourd’hui : un Québec contemporain dans lequel différentes réalités culturelles cohabitent et s’entrecroisent.

Ce concert propose une rencontre de l’art sacré entre les répertoires des musiques persane, kurde et arabe, avec des chanteuses et instrumentistes d’exception. En trio, ils racontent leurs récits ainsi que leurs poésies ancestrales.

Le concert sera suivi d’une discussion avec le public.

Lors de cette performance, An Laurence raconte les histoires de son adoption, de sa naissance en Chine à son arrivée au Québec. La performance incarne une mémoire collective propre aux personnes adoptées en Chine pendant l’application de la politique de planification des naissances (mieux connue en Occident comme la politique de l’enfant unique).

C’est dans une salle remplie d’artéfacts de cette mémoire collective que l’artiste performera. Par la performance et la création médiatique, An Laurence cherche à solubiliser son identité actuelle avec son vécu oublié. Une réflexion délicate et actuelle sur l’identité complexe des personnes adoptées.

Hea Kim, née en Corée et installée à Montréal, est une artiste multidisciplinaire qui aime créer des installations d’apparence ludique, mais beaucoup plus sophistiquées qu’au premier abord. Son travail est d’intercepter les sous-cultures naissantes et la création d’hybrides entre des émotions, matériaux et concepts contrastants. Elle tente de verbaliser visuellement un monde onirique complexe en mêlant le fantastique au quotidien, l’héroïque à l’adorable, et l’enjouement de la culture populaire avec des soucis plus sérieux.

Laurence Ly est réalisateur, producteur, monteur et scénariste d’origine cambodgienne et vietnamienne. Né dans un camp de réfugiés en Thaïlande, il est citoyen canadien depuis l’âge de 2 ans. Après avoir obtenu un baccalauréat en arts à l’Université du Québec de Montréal (UQAM), en 2014, Laurence entame un long métrage autofinancé intitulé Marche avec moi et participe aux Rendez-vous Québec Cinéma. Il obtient ensuite une maîtrise en communications, concentration cinéma et image en mouvement en 2017 à l’UQAM. En dehors de la réalisation, scénarisation et production de films, Laurence a été programmateur de films pour le Festival Nomade de Montréal de 2013 à 2018. Aujourd’hui, il est vidéaste et photographe pour le Festival Accès Asie.

Claudia Chan Tak est une artiste multidisciplinaire basée à Montréal. Elle gradue avec distinction de l’Université Concordia en Intermedia/CyberArts, Department of Studio Arts en 2009. Trois ans plus tard, elle reçoit la bourse d’excellence William Douglas pour son baccalauréat en danse contemporaine à l’Université du Québec à Montréal. Elle y termine en 2017 un mémoire-création qui questionne les liens entre film documentaire, identité culturelle et danse contemporaine. Un solo autobiographique intitulé Moi, petite Malgache-Chinoise est né de ses recherches et a été présenté au MAI (Montréal, arts interculturels) en décembre 2016. En janvier 2018, elle présente une première installation chorégraphique à Tangente qui allie arts visuels, danse et mapping vidéo qui retrace le processus de création de ce solo. Grâce à ce projet, elle devient lauréate du prestigieux prix Mécènes investis pour les arts pour souligner la qualité et l’innovation de sa démarche artistique. Ses projets chorégraphiques l’ont menée sur les scènes de Tangente, OFFTA, ZH Festival, Phénomena, Short&Sweet, La Petite scène, Edgy Women, Art Matters, Toxique Trottoir, sans oublier le Festival À Corps en France et le Théâtre de Liège en Belgique. Interprète pour plusieurs compagnies de danse contemporaine, elle se démarque aussi sur les scènes théâtrales, tout en restant active dans le milieu des arts visuels et de la vidéo.

Né à Changchun, en Chine, Naishi Wang débute sa formation de danse au Jilin College of Art et à la Beijing Dance Academy. En 2004, il se joint au Toronto Dance Theatre durant neuf ans. De 2009 à 2010, il est mandaté par le studio SXM de Pékin pour créer des œuvres de danse contemporaine basées sur des concepts, dont Split et Avatar’s Tree. En 2015, il travaille intensivement en tant que danseur indépendant avec divers artistes et chorégraphes talentueux en Allemagne, au Cambodge, en Chine, au Japon et au Canada. Il collabore avec l’artiste berlinois du Tanz-Theater, Christoph Winkler, et co-chorégraphie deux projets de solos et de duo : Can Asian Dance ?, Crossing Half of China to Sleep With You et Tale of the Dragon and Lion. En 2017, il se joint au programme Dancemakers Peer Learning Network (Toronto) et a fait une présentation en studio au Canada Dance Festival (Ottawa). En 2018, il présente en première son solo Taking Breath au Kinetic Studio (Halifax), présenté par la suite à Toronto par Citadel + Compagnie, ainsi qu’à Montréal Art Interculturel, suivi d’une première européenne au Monsun Theatre, à Hambourg en Allemagne. En 2019, la compagnie Nostos Collective basée à Toronto / Halifax lui demande de chorégraphier pour elle et il prépare en ce moment sa nouvelle création Face to Face.

Jade Barshee, comédienne autodidacte et polyvalente, est passée par Saint-Hyacinthe, Omnibus, Les Ateliers Danielle Fichaud, le Studio 303 et est aussi responsable des communications au Festival Accès Asie. Elle est la co-fondatrice de Théâtre Everest et l’autrice de leur première création originale Bâtardes. La pièce fût présenté au MAI (Montréal, arts interculturels) et en tournée dans les maisons de la culture de Montréal et environs. On a pu la voir dans Duo en Morceau du Théâtre Ink, SEX(E) au Théâtre La Risée, dans Soleil d’Artifice et 2h14 à Art Neuf, puis au Festival Plein la rue, dans les Indiscrétions publiques en tournée dans les parcs à Montréal et dans Le Confessionnal une pièce de théâtre pour adolescent·es en tournée dans les écoles secondaires. À l’écran, elle participe au documentaire La fin des terres de Loïc Darses et elle interprète Mme. Tran dans la série L’effet secondaire sur les ondes de Radio-Canada. On pourra aussi la voir dans les web-séries La loi c’est la loi et Je voudrais qu’on m’efface.

Diplômée de l’École supérieure de théâtre de l’UQAM, Chloé Barshee multiplie les expériences sur scène. Elle est cofondatrice du Collectif Grande Surface, avec qui elle présente la pièce « Et quand vient le silence » au Théâtre La Chapelle en 2015. Chloé est également cofondatrice de la compagnie Théâtre Everest, créatrice de la pièce « Bâtardes » qui est présentée au MAI (Montréal, arts interculturels) en 2018 puis reprise pour une tournée dans les maisons de la culture au Québec et à la Rencontre Théâtre Ados en 2020. Elle interprète le rôle d’Adsila dans la pièce « Molière, Shakespeare et moi » en 2017, présentée au Théâtre du Rideau Vert. Son talent lui permet d’obtenir le rôle de La Muse dans la création « Nous serons éternels » qui est présentée en avril 2019 au Théâtre La Chapelle. Elle participe également à la création « Le vent va tourner », mise en scène par Myriam Fugère et présentée aux îles de la Madeleine à l’été 2019. En 2020, elle est des productions théâtrales « Guide d’éducation sexuelle pour le nouveau millénaire » (Théâtre Denise-Pelletier et Théâtre Catapulte) ainsi que « Splendide jeunesse » (Théâtre aux Écuries et Maison Théâtre). Nous avons également pu la voir dans une autre création intitulée « L’amour au 21ème siècle (selon WikiHow) » présentée au Théâtre La Chapelle en 2022. On peut l’apercevoir à la télévision dans la série « Nous », diffusée sur les ondes de Club illico en 2021.

Née au cœur de l’Iran, dans la ville d’Isaphan, Elham débute la musique à l’âge de 15 ans. Elle poursuit ensuite son apprentissage avec Ali Ghamsari, Arshad Tahmasbi, ainsi que le virtuose Hossein Alizadeh. Autodidacte en chant classique persan, elle maîtrise aussi les luths traditionnels tels que le târ, le setâr, le shourangiz et le rabâb. Au cours de sa carrière, elle a donné plusieurs concerts en Iran et en France. Depuis son arrivée à Montréal en 2014, elle s’est produite dans de nombreux endroits à Montréal. Sa collaboration avec Constantinople pour le projet Chants d’espoir lui a par ailleurs donné l’occasion de se produire à la salle Bourgie. Elle participe en outre au projet Des mots sur mesure VII organisé par la Maison de la culture Ahuntsic-Cartierville. Enfin, Elham est une chanteuse et musicienne permanente au sein du collectif musical DIBA.

Chanteuse d’origine libanaise, Lamia Yared se passionne des traditions musicales arabe, ottomane, séfarade et grecque d’Asie mineure. Au cours de ses recherches au Liban, en Turquie et en Grèce, elle s’est formée auprès des maîtres de ces traditions afin de parfaire la technique du chant oriental et du oud. 

Boursière de plusieurs perfectionnements et productions réalisées grâce au  Conseil des arts de Montréal, du Québec et du Canada, elle a produit Récits du Levant,  l’album Chants des Trois cours,  préconisé par la revue britannique Songlines  en 2020, et tout dernièrement Fréquences de Byzance. Elle a également présenté un atelier sur la musique classique arabe pour l’inauguration du Labyrinth Ontario Musical Workshop.

Collaborant avec des musiciens hors-pairs issus de cultures diverses, elle se produit au Aga Khan Museum , avec le Studio de Musique Ancienne de Montréal,  le Canadian Arabic Orchestra, le Labyrinth Ontario, au Vancouver Island Festival, au Festival Accès Asie, les Maisons de la Culture de Montréal  ainsi que le Festival du Monde Arabe . Elle a également participé à des événements à l’international, tel qu’à l’Institut français de Turquie ainsi qu’aux Pays-Bas.

Né en 1982, Pooria Pournazeri a commencé son apprentissage du luth tanbur auprès de son père, un facteur d’instruments traditionnels, dès l’âge de six ans. Quatre ans plus tard, il s’est initié au sétar auprès de Afshin Ramin. En 1997, il a obtenu la 3e place du concours de musique vernaculaire au Festival des Jeunes musiciens de Téhéran et a poursuivi sa formation musicale auprès de son oncle Keikhosro Pournazeri. En 1998, il a intégré l’Ensemble Shams avec qui il a réalisé des projets de disques et de tournées en Iran. Pooria a aussi enseigné au Shams Music Institute.

En 2000, il a intégré un groupe de rock, Public Voice, et s’est lancé dans l’apprentissage de la percussion et de la batterie, une aventure qui a duré cinq ans et lui a permis de se produire en concert à Téhéran, à Rasht et à Isfahan, ainsi que d’enregistrer l’album Scape from Darkness.

En 2006, il commence à travailler sur son premier album solo, Zhoor, qui combine des éléments de répertoires populaires et de tanbur. En 2010, ce disque paraît sous étiquette Hermes et est aussitôt salué par la critique. L’album se fraye même une place dans le célèbre magazine de musiques du monde Songlines où il est identifié comme l’un des meilleurs disques de l’année.

An Laurence est une artiste et musicienne dont la pratique intègre la performance et le multimédia. Depuis un événement marquant l’obligeant à réévaluer la place de son adoption dans sa vie, An Laurence s’est servie de l’art et de l’autoethnographie pour explorer son identité et chercher un sens à son expérience d’adoption, en créant notamment l’installation multimédia interactive Confidences en trois temps (2018) et la performance Approchez je vous raconterai ce que j’ai oublié (2020-2021). An Laurence est également active en tant qu’interprète/guitariste en musique contemporaine. S’intéressant principalement à l’aspect relationnel de l’art, des œuvres et du processus créatif, An Laurence est inspirée par des sujets comme l’identité, la communication et le vivre-ensemble.